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Abstract Art
To see more of Mario Castillo’s abstract art please go to the following links:

Tejido Series

Paintography

The Russian artist, Wassily Kandinsky is considered by many as the first artist to create and abstract work in 1910. The small watercolor he created celebrates the joy of painting, the freedom of color, and the power of basic elemental visual properties to communicate emotion. Some of Castillo’s favorite Abstract Art works are Kazimir Malevich’s Suprematist works, Helen Frankenthaler’s colorful stained fields, the emotionally charged works of Sam Francis, Andy Warhol’s “Rorschach” paintings, Franz Kline’s gesture works, the Abstract Expressionist paintings of Hans Hofmann and Jackson Pollock’s action paintings.

Nonobjective painting, another name for Abstract Art, has so many approaches with different styles and techniques. Mario Castillo has experimented with many of these. With this category he shares with you some of the works he feels are his strongest in this genre.

Castillo started to paint abstract works when he was a child. His first nonrepresentational paintings were done in Mr. O’Neill Fifth grade classroom at Youngman Grammar school in the Pilsen community of Chicago, Illinois. Since that time he has had an affinity for this type of work.

As a young student, at the School of the Art Institute of Chicago, one of Mario Castillo’s favorite painting styles was Abstraction. A definite independence comes with this approach to art. Assuming that one is utilizing an artist’s brush on canvas, it is very liberating to follow the brushstrokes into unknown territory. There is a sense of inventiveness with a feeling for exploration that occurs when artists take the first step on a blank canvas. This is the moment of “dialogue” for there is a certain type of inner discourse between the medium the artists employ and themselves. The visual language of art with all its basic elements becomes the facilitator between the artist and the art work. One has heard of an artist stating, “I am waiting for the painting to speak to me.” or “The painting tells me what to do next.” and when they say that, this is what they are referring to: the inherent visual communication that takes place between a work of art and its creator.

As soon as the first brushstroke is applied to the surface of the canvas, painters have a captivating visual problem that will not let them go until it is resolved. It is like an experiment that can go really wild, but it can be exhilarating to discover how the work of art will evolve and eventually come to fruition under the control of its creator. The element of surprise is a given in the process of abstraction for there is always a trace of mystery in the unexpected. This is why there is such a gratifying sense of fulfillment that comes with the endeavor of accomplishing a finished work of Abstract Art.

In the process of painting, there is always the critical question of when to stop? When is a work of art finished? There is no easy answer to this but as artists get more experienced with the visual language they are using it becomes less difficult to realize this task. Of course all of this has to do with all the elements and principles of art being “in place” in order to accomplish the visionary task that the artist has in mind. Depending on the artist’s intention, there are certain checks and balances that need to be met in order to arrive at a finished state where the work looks complete.

An intriguing aspect of Mario Castillo’s work is that sometimes he takes a finished work and paints over it, using it as a “blank canvas”. Castillo does not prime this with gesso to get a clean surface. He purposely leaves it as is to superimpose new images over it, allowing the old ones to show through. He started to use this layering effect around 1962 as a result of being influenced by this same technique which was employed in the Paleolithic Era. Cave artists would superimpose images over each other, creating the effect of transparent spirit creatures.

To see this layering technique being used by Castillo, refer to his categories of Perceptualism, Nagualism, and Quetzalcoatl Series. Some of these works tend to become surreal abstractions.

Para ver mas obras Abstractas de Mario Castillo, favor de seguir estos enlaces:

Perceptualismo

Nagualismo

Series de Quetzalcoatl

Tejido Series

Pintugrafia

¿Qué es el Arte Abstracto?

El Arte Abstracto es un tipo de extracto visual de la experiencia humana. Puede ser abstraído del ambiente externo o del mundo interior de cada individuo, como son las ideas, emociones, o sueños. En su pureza total, esté no debe de dar ninguna referencia a objetos o figuras. Si puede ser conceptual o emocional pero no debe de representar nada que se llegue a conocer como algo concreto que existe en el mundo. No hay campo en el Arte Abstracto que es puro y formal para la representación figurativa la cual seria una contradicción a la propia polémica de lo que es el Arte Abstracto.

Por lo mencionado anteriormente y por que las dos palabras suenan igual, hay algunos que le llaman a este estilo de pintura Arte Extracto, pero no es así. De hecho, una fotografía es un extracto o una abstracción de la realidad, pero en términos de nuestra propuesta, un arte limpio de señales visuales del mundo, las fotografías que documentan nuestro ambiente no se pueden calificar como Arte Abstracto. La temática del Arte Abstracto tiene que dedicarse a ser solamente sobre el lenguaje visual del arte. Este lenguaje básico se compone de lo que son las líneas, texturas, valores, colores, y formas (figuras) orgánicas o geométricas. O sea, es un arte hecha para el beneficio del arte, para exponer lo que son las artes plásticas en su forma más pura.

El que es considerado como el fundador del Arte Abstracto es el pintor Ruso, Vasily Kandinsky (1866-1944). Desde 1910 cuando el pintó su primer obra no-representativa, el Arte Abstracto se ha desarrollado en diversas formas con estilizaciones desde lo geométrico hasta lo orgánico.

El Arte Moderno del siglo veinte dio luz a muchos estilos Abstractos. De estos sobresalen los siguientes modismos pictóricos:

Expresionismo Abstracto: En este movimiento artístico se encuentran como principales protagonistas Willem De Kooning, Hans Hoffman, Joan Mitchell, Franz Kline, Sam Francis, Robert Motherwell, y Clyfford Still. Esta manera de pintar es espontánea al nivel de ser una huella automática del movimiento del pincel sobre la tela en el momento que el artista hace su marca. Los pincelazos adquieren una fuerza y potencia al grado de expresar grandes emociones con sus gestos viscerales.

Arte Óptico: Aquí unos de los principales personajes son Victor Vaserely, Bridget Riley, Jesús Soto, Richard Anuszkiewicz, y Heinz Mack. El Arte Óptico propone un intercambio de cálculos geométricos con colores formulados a un sistema rígido para así llevar acabo una experiencia fisiológica que es estéticamente única en el espectador. Esto se lleva a cabo por medio de repetir continuamente elementos básicos con un contraste fuerte y sistemático. Muchas de estas obras tienen la tendencia a formular una vibración óptica entre los colores fuertes, mientras que otras juegan con la metodología de las líneas moiré con la tendencia de crear distorsiones a la perspectiva visual donde se configura una ilusión aparente de la tercera dimensión.

Para ver ejemplares de Arte Óptico por Mario Castillo favor de seguir al siguiente enlace:

Arte Óptico

Neoplasticismo: Piet Pondrían es el primero que hay que mencionar cuando se habla del Neoplasticismo que fue un producto de su propia manera de pintar. Lo interesante de este pintor es que su reconocida estampa pictórica, que el nombró De Stijl, fue desarrollada por medio del estudio de paisajes enfocándose en los árboles y sus ramas. Fue haciendo metáforas visuales de estos hasta que al fin los redujo a un género de rectilíneo que aparenta redes pictóricas de líneas perpendiculares en diversas formas. También los colores fueron reducidos a los básicos, el azul, el amarillo, y el rojo. Junto a estos se usaba el negro y el blanco. Varios artistas le siguieron los pasos como Theo van Doesburg y Jean (Hans) Arp. Estos pintores hicieron que sus pinturas se convirtieran en objetos. Ya los cuadros dejaron de representar a algo. Ahora simplemente eran arte sobre la temática del arte y para el bien del arte.

Arte Informal: El Informalismo fue un movimiento que surgió en Europa donde se rompen las reglas con el estatus quo y la normalidad de la academia. Cuando llegó a las Américas fue muy bien recibido pero en los Estados Unidos de América este se volvió la base del ya mencionado Expresionismo Abstracto. Muchos artistas que experimentan con nuevas técnicas mixtas no necesariamente producen Arte Abstracto en su forma pura de no hacer referencias a ningún objeto o figura. Los siguientes pintores formaron parte del Informalismo. Las pinturas Informales de Arshile Gorky, sugieren algo erótico y abstracto. La obra informal de Alberto Burri es más táctil por su uso de texturas de telas pesadas mientras que los cuadros de Georges Mathieu igualmente demuestran una sensibilidad palpable con su empasto pesado, pero aquí hay un control determinado de una estilización casi mecánica, y a la vez muy orgánica.

Para ver ejemplos del Arte Informal de Mario castillo favor de seguir el próximo enlace:

Arte Informal

Abstracción Lírica: A lo que también se le llama Color Field Painting es una forma placida del Arte Abstracto en el cual los artistas se inspiran con temas poéticos de soledad y aislamiento. El formato pictórico se llena de campos de colores que son muy estimulantes y teñidos de manchas de pinturas que penetran las fibras del lienzo de un lado a otro. Sus mayores proponentes son: Helen Frankenthaler, Barnett Newman, Mark Rothko, y Clyfford Still. El silencio, la calma, y la armonía se aportan aquí para que el espectador pueda participar en un retiro mental que se puede lograr a realizar como un descanso profundo. El abstraccionismo lírico es una forma transcendente del arte moderno en el cual se emotiva a el espectador a meditar en frente de estas obras de gran tamaño. Se sabe que gentes al estudiar pinturas de Mark Rothko han llorado en frente de estas zonas vacías pero llenas de las coloridas del éxtasis y los tonos de la tragedia matizados de tristeza.

En un artículo del periódico Chicago Tribune salió un reporte en el cual se documenta a un espectador que lloró en frente de una pintura de Mario Castillo. Esta obra fue dedicada a Hollis Sigler después de su muerte. Ella fue una de las artistas más famosas de Chicago y colega del Maestro Castillo.

Pintura en Acción: El mayor proponente de esta corriente artística fue Jackson Pollock. Su diferencia a las otras formas de pintar es que no se utilizan pinceles. La pintura se contiene en un envase y luego se tira vaciando la pintura por todas partes hasta que quede escurriendo del bote sobre la tela que normalmente se encuentra en el piso. Lo interesante de esta técnica es que esta surgió de un taller asistido por Pollock en Nueva York en 1934 en el cual Alfaro Siqueiros era el maestro. Este taller fue creado por Siqueiros con el intento de cambiar radicalmente la forma de pintura Americana y según los resultados, si lo logro. Jackson Pollock aprendió de Siqueiros esta técnica del arrojo y goteo de pintura y lo transformó en uno de los más sobresalientes logros de la pintura del siglo veinte. De hecho se ha formado una nueva forma de pintar que se basa en la pintura de acción y depende del gesto y movimiento del cuerpo. El nombre de esta es Pintura Géstica. En esta manera de pintar se pueden utilizar las manos o el cuerpo en lugar de pinceles o brochas para pintar con pinturas no dañinas a la piel.

Suprematismo: Aunque las estructuras de las composiciones plásticas de este movimiento Ruso son geométricas, algunas muestran una libertad de movimiento visual adentro del sistema rígido empleado. Kazimir Malevich, es a quien se le debe esta calculada y limpia forma de abstracción de formas puras y geométricas. El fue el autor de los famosos cuadros “Cuadrado Negro” (1915) y en la obra de “Blanco en Blanco” (1918), que bien se podrían considerar como unas de las primeras pinturas del genero Minimalista, excepto que este movimiento no se desarrollo de lleno hasta la década de los 1970.

Para ver obra del Suprematismo de Mario Castillo por favor de seguir al enlace siguiente:

Suprematismo

Minimalismo: Fueron muchos los artistas principales de esta época cuando se profesaba que la pintura estaba muerta. Entre los principales activistas del Minimalismo se encontraban Ad Reinhardt, Agnes Martin, Carl André, Dan Flavin, Sol LeWitt, Donald Judd, Frank Stella, Richard Serra, Larry Bell, y Anthony Caro. Robert Rauschenberg produjo una pintura en serie (siete rectángulos modulares) titulada Pintura Blanca en 1951. En 1954 el escultor Mexicano, Mathias Goeritz, diseñó unas estructuras Minimalistas en la capital Mexicana. Aun con estos precedentes, el Minimalismo no empezó a tener fuerza hasta el final de los 1960. Este movimiento llego a su cumbre durante la primera mitad de los 1970. Aquí los artistas reducían todo lo del arte a su mínima esencia, rechazando toda representación y poniendo el enfoque en las formas más básicas repitiendo estas en serie como unidades de un patrón. La teoría principal era “Menos es Mas”. Mario Castillo llegó a producir obra bajo esta teoría pero luego la rechazó volcándola a ser “Mas es Menos”.

Para ver obras del Minimalismo de Mario Castillo por favor seguir el siguiente enlace:

Minimalismo

Constructivismo: Esta tendencia Rusa proclamaba retirar al arte del arte para así crear objetos utilitarios, un arte para las masas. Los productos de este grupo por la mayor parte eran de tercera dimensión y basados en las teorías del Suprematismo, la Bauhaus, y el Neoclasicismo. Con estos los artistas rusos representaban muy bien a la nueva Revolución Comunista de sea época. El problema fue que a la gente en general no les gustaba lo que hacían y la mayor parte de ellos tuvieron que salirse de Rusia. El que encabezó este movimiento fue Vladimir Tatlin. Otros artistas de renombre lo apoyaron con sus testimonios visuales. Entre ellos se encontraban Alexander Rodchenko, Antoine Pevsner, El Lissitsky, Kazimir Malevich, Vavara Stepanova, Vasily Kandinsky, Liubov Popovay Naum Gabo.

A veces el Constructivismo es confundido con el Suprematismo y con buena razón. Lo que pasa es que Tatlin le llamó a sus esculturas Constructivismo y Malevich le llamó a sus pinturas Suprematismo. Son muy similares y básicamente dependen de las mismas teorías de ser fiel a los materiales y de abandonar todo tipo de representación y tomar la geometría pictórica como su nuevo lenguaje.

Hay que acertar que muchos de estos movimientos del siglo pasado aun tienen vida y la práctica de ellos se puede ver por todo el mundo.

Pero dejando estos datos atrás, tenemos que regresar a la cuestión que algunos aun se preguntan… ¿Es valida la pintura Abstracta? La pintura es pintura y no importa la técnica ni el tema o el estilo que sea si no como es que el lenguaje visual se emplea y se desarrolla. Si el lenguaje visual supera ser mediocre entonces uno logra tener una obra de arte que vale la pena mirar. Conjunto a todo esto están los sentimientos, las emociones---porque el arte no nomás es de cumplir bien con las destrezas del lenguaje visual. Para entender esto mejor, hagamos de nuevo la analogía que la pintura es como la música. Los colores son las notas. Los valores son los tonos. La composición es la obra relacionándose en toda su totalidad a su formato. Los elementos básicos se usan para formalizar los principios del arte utilizando líneas, colores, texturas, patrones, etc. etc.

Ahora vamos a decir que si la música no fura abstracta tendríamos solamente música concreta y corridos donde todo lo que se oye se entiende perfectamente... lo que nos cuenta el cantante, el sonido de un tren, los balazos al fondo, etc. Pero afortunadamente la música no simplemente es lo que se puede relacionar a nuestra realidad o sueños. Por medio de tratar con los elementos musicales más básicos y abstractos la música es lo que en la actualidad tenemos hoy en día. Es algo muy bello, que no se puede poner en palabras, pero si le llega a uno y nos comunica sentimientos y emociones.

Como nos podemos imaginar, el arte abstracto es así. Igual que la música puede llegarnos y comunicarnos todo tipo de sentimientos. Una pintura no tiene que tener un tema social o ser representativa de algo para que sea considerada arte. Es como si uno dijera que la música para que sea de sustancia y que tenga valor tiene que tratar con temas sociales, religiosos, o temática "realista" que se pueda entender cuando se relacione con nuestro mundo exterior. Nuestro universo no nomás es compuesto del universo que se ve alrededor. Tenemos un “universo” interior por cual nos comunicamos con diferentes dimensiones de nuestro ser. Con este universo interior se comunica la música. Con estos mismos rincones de nuestra existencia interior se comunica el Arte Abstracto. Pero claro, todo esto depende del ser quien reciba estas transmisiones. Si la línea de comunicación esta cerrada, pues no podrá llegar la transmisión de mensajes exteriores. Podemos aquí entender que las vías de comunicación se cierran por causa de acondicionamientos sociales y culturales que resultan en preferencias y gustos personales.

Pues toda buna pintura emplea bien los elementos básicos del arte sin importar el estilo o manera en que esta esté pintada. Si estos logran unirse en armonía y comunican un sentir fuerte, pues entonces el artista ha logrado una obra maestra. Las obras del artista son como estampas de su ser. Deben de comunicar a cierto nivel lo que el artista lleva en su interior como son sus ideas, sus sentimientos, su filosofía….en total, su razón de ser.

La pintura Abstracta es la forma mas pura (como la música) de llegar al interior humano. Aquí el artista trabaja directamente con los elementos mas básicos del arte, y en realidad no importa la propuesta, la temática, ni el manierismo con cual uno pinta si no la calidad del uso de los elementos básicos y la profundidad del conocimiento y sentimiento que uno le ponga, si todo esto se encuentra a un alto nivel, pues la obra es buena, sea lo que sea. Si no se logra esto, la obra va a ser superficial y escasa de valor conceptual y emocional.

Recuerden que la pintura Abstracta también puede motivar a las emociones a un alto nivel como también puede establecer un diálogo conceptual con el espectador.

Mario Castillo Profesor de Artes Plásticas Departamento de Arte y Diseño Escuela de Bellas Artes Universidad de Columbia en Chicago, Illinois Conocida como Columbia Collage Chicago